Erase una vez en América

Hoy he vuelto a ver “Erase una vez en América”, es más que un filme, es un lienzo de lo humano, jóvenes migrantes en EUA en los primeros años del siglo XX, jóvenes que desean hacerse acreedores al American Dream, ese que abre las puertas de la felicidad, niños, jóvenes, adultos, gangsters, quienes comparten la vida.

No es una película de venganzas, ni de justicias, es una cinta de lo cotidiano, de que es posible por amistad perderlo todo y volver a tenerlo, es una cinta para la memoria, para la palabra, la ambientación, los diálogos, las actuaciones no son más que el reflejo de lo cotidiano.

En lo personal desde la vez primera que la vi hace ya muchos años y las subsecuentes, siempre es una nueva lectura, una nueva sorpresa, porque conforme he ido viviendo aprecio otros ángulos de esa realidad que la edad a veces no desea ver.

Esta cinta debe verse muchas veces para lograr sentirla plenamente, su comprensión no está en la mente, sino en las sensaciones, en los sentimientos.

Alejandro.
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Once Upon a Time in America
Erase una vez en América

Ficha técnica
Dirección: Sergio Leone
Producción: Arnon Milchan
Guion: Leonardo Benvenuti. Piero De Bernardi, Enrico Medioli, Franco Arcalli, Franco Ferrini, Sergio Leone, Stuart Kaminsky,.
Ernesto Gastaldi.

Novela:The Hoods de Harry Grey
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Tonino Delli Colli
Montaje: Nino Baragli, Zach Staenberg
Vestuario: Gabriella Pescucci
Reparto: Robert De Niro, James Woods, Rusty Jacobs, Elizabeth McGovern, Jennifer Connelly, James Hayden, Brian Bloom, William Forsythe, Adrian Curran, Tuesday Weld, Joe Pesci, Treat Williams, James Russo, Burt Young, Danny Aiello.

País(es): Italia, Estados Unidos
Año: 1984
Género: Policiaco, drama
Duración: 322 minutos (versión original), 270 minutos (versión definitiva), 229 minutos (versión Europea), 139 minutos (versión para EEUU)
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Andrzej Wajda

Allá por mediados de los años 70´s, la Escuela Nacional de Antropología se ubicaba e el Museo de Antropología, yo asistía en ese tiempo a la escuela en el museo, en la parte de abajo hay un auditorio que mucho tiempo funciono como Cine Club, ahí tuve la oportunidad de conocer las obras de Tarkovsky, Wadja, Fassbinder, Paul Verhoeven, Littin, esto junto con las exhibiciones en el Salón Rojo de aquella Cineteca Nacional que se incendio (o ¿incendiaron?) fueron los cimientos de mi gusto por el cine, al que alguien llama de “arte” y hace e este tipo de cine algo distante y un cliché pequeñoburgués.

Hoy quiero compartirles un poco de Wadja, el es Polaco y es un cronista fílmico, es un excelente narrador y analista político, comunista anti soviético (como muchos), más sus filmes son escritos y conducidos con los ojos del pueblo, de la justicia, tiene algo de Einsestein en esa plasticidad, pero a diferencia de este, describe visualmente la crueldad del poder, su falta de escrúpulos, también de las abluciones de aquellos que sufren, en cierto sentido se podría decir que sus películas se pueden ubicar el lo que dijo Chejov “en el hombro de cada uno de nosotros debería haber un pequeño hombrecito con un martillo, para que nos golpeara el lóbulo del oído y así recordarnos que hay alguien que es torturado, humillado, desplazado, asesinado para que nosotros gocemos de la libertad y todo lo que tenemos”

Obras cinematográficas:

• A Generation (Pokolenie, 1954)
• Towards the Sun (Idę do słońca, documental sobre Xawery Dunikowski, 1955)
• Kanal (1956)
• Cenizas y diamantes (Popiół i diament 1958)
• Lotna (1959)
• Innocent Sorcerers (Niewinni czarodzieje, 1960)
• Siberian Lady Macbeth (Powiatowa lady Makbet, 1961)
• Samson (1961)
• Love at Twenty (L'amour à vingt ans, 1962)
• Ashes (Popioły, 1965)
• Everything For Sale (Wszystko na sprzedaż, 1968)
• Roly Poly (Przekładaniec, 1968)
• Bramy Raju (The Gates to Paradise, 1968)
• Hunting Flies (Polowanie na muchy, 1969)
• The Birch Wood (Brzezina, 1970)
• Landscape After the Battle (Krajobraz po bitwie, 1970)
• Pilate and Others (Pilatus und andere, 1971)
• The Wedding (Wesele, 1972)
• The Promised Land (Ziemia obiecana, 1974)
• The Line of Shadow (Smuga cienia, 1976)
• El hombre de mármol (Człowiek z marmuru, 1977)
• Sin anestesia (película) (Bez znieczulenia, 1979)
• The Maids of Wilko (Panny z Wilka, 1979)
• The Orchestra Conductor (Dyrygent, 1980)
• El hombre de hierro (Człowiek z żelaza, 1981)
• Danton (1983)
• Love in Germany (Eine Liebe in Deutschland, 1983)
• A Chronicle of Amorous Incidents (Kronika wypadków miłosnych, 1985)
• The French as seen by... (Proust contre la déchéance, 1988)
• Los poseídos (Les possédes, 1988)
• Korczak (1990)
• The Crowned-Eagle Ring (Pierścionek z orłem w koronie, 1992)
• Nastasja (1994)
• The Holy Week (Wielki Tydzień, 1995)
• Miss Nobody (Panna Nikt, 1996)
• Pan Tadeusz de 1999.
• Wyrok na Franciszka Kłosa de cine en 2000.
• Przerwane milczenie de 2002.
• La venganza de 2002.
• Katyn 2007.

Man of Iron ganó la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en 1981. Cuatro de las obras de Wajda, The Promised Land, The Maids of Wilko, Man of Iron y Katyn han sido nominadas para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. En 2000, Wajda recibió un premio honorífico de la AMPAS.

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La tierra de la gran promesa

Espléndido reflejo del nacimiento de un capitalismo atroz y sin escrúpulos en Polonia y de cómo se exacerban las diferencias de clases y el conflicto social.

Excelentemente filmada, formalmente cuidadísima, prodigiosa en sus encuadres, los contrastes de color y en su ritmo narrativo; Wajda logra comunicar una amplísima polivalencia de contenidos en cada fotograma, explotando al máximo las posibilidades significativas y connotativas que sólo los grandes maestros son capaces de extraer del lenguaje cinematográfico, para conseguir que los propios espectadores sean intérpretes y no sólo meros receptores de lo que observan. Wajda articula así un mensaje poderoso, cuasiexpresionista; en ocasiones delirante y paródico, en otras seco, duro y crudo, fiel reflejo de la deshumanización de las relaciones sociales y de la consiguiente pérdida de valores humanitarios en la sociedad de las máquinas y la producción masiva. Al mismo tiempo, logra una magistral, dolorosa y ofensiva contraposición entre el lujo y la miseria; una atroz demostración de la incultura y la memez de los grandes peces gordos (gloriosa la orgiástica escena del teatro) y una contundente demostración del cinismo, la avaricia, la maquinación, la explotación, los abusos de poder, etc, que subyacen bajo tanto oropel y apariencia.

A finales del siglo XIX, la ciudad de Lodz se ha convertido en el epicentro de la industria textil, con la consiguiente necesidad de mano de obra inmigrante. Tres jóvenes estudiantes de Riga: un polaco católico, hijo de nobles terratenientes, un ambicioso judío y un alemán luterano deciden abrir una fábrica en esa ciudad para hacer fortuna y, sin escrúpulos ni prejuicios, se lanzan a acumular dinero y poder.

AÑO 1975
DURACIÓN 168 min.
PAÍS Polonia.
DIRECTOR Andrzej Wajda
GUIÓN Andrzej Wajda (Novela: W.S. Reymont)
MÚSICA Wojciech Kilar
FOTOGRAFÍA W. Sobocinski
REPARTO Daniel Olbrychski, Wojciech Pszoniak, Andrzej Seweryn, Anna Nehrebecka.
PRODUCTORA Film Polski / Zespól Filmowy
PREMIOS 1975: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
1975: Festival de Seminci: Espiga de Oro: Mejor película
GÉNERO Drama | Siglo XIX


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Katyń

Katyń es una película polaca de 2007 acerca de la masacre de Katyn de 1940, basada en el libro Post Mortem: The Story of Katyn de Andrzej Mularczyk. Fue nominada al Óscar a la mejor película de habla no inglesa en la convocatoria de 2007.

Katyn recrea uno de los episodios más oscuros de la historia de Polonia: el asesinato de miles de oficiales polacos a manos de la policía secreta rusa en 1940. La verdadera autoría de esta masacre ha estado oculta durante años, sirviendo como excusa a intereses partidistas de nazis y soviéticos. Andrzej Wajda retrata la angustia de las mujeres que esperaban el regreso de sus seres queridos y procurando dar a los caídos la memoria merecida.

En septiembre de 1939 Polonia fue invadida: por el Oeste por las tropas de Hitler y por el Este por el Ejército Rojo. En la primavera de 1940 por orden expresa de Stalin 22.000 oficiales polacos (uno de ellos el padre del propio Wajda) fueron asesinados de un tiro en la nuca y enterrados en fosas comunes. En Katyn (nombre de un bosque cercano a Kiev, en Ucrania) se narran los últimos días de estos oficiales y de sus familias y de su angustia ante un destino incierto. Rusia sólo reconoció la autoría de este horrendo crimen en 1990, tras la caída del comunismo. Antes se lo había atribuido a los nazis.

La obra de Wajda ha estado siempre ligada a la historia de su país. “Katyn” no sólo rememora la terrible matanza de 22.000 polacos a manos de policía de Stalin, sino también la manipulación que de la misma hicieron tanto los nazis como los propios soviéticos. Con una estructura temporal que refuerza el dramatismo al soslayar durante buena parte del metraje las imágenes, tan secas como desoladoras, del hecho en sí, la película posee buena factura y una medida intensidad. Sin embargo, se echan de menos la brillantez visual y la audacia formal del primer Wajda, sustituidas aquí por un academicismo -convenientemente modernizado- que amortigua la tensión y mantiene a cierta distancia al espectador. Daniel Andreas

"Con ambientación de lujo y precisión dramática (...) 'Katyn' posee fuerza expresiva, pero también tienes la sensación de que ya la has visto en el cine demasiadas veces." (Carlos Boyero: Diario El País)

"Katyn ejerce a la perfección su doble papel de denuncia y de recordatorio de la barbarie (...) Sin embargo, en el retrato de personajes Wajda, nunca alcanza a componer un dibujo coral que resulte vivo." (Javier Ocaña: Diario El País)

TÍTULO ORIGINAL Katyn
AÑO 2007
DURACIÓN 115 min.
PAÍS Polonia.
DIRECTOR Andrzej Wajda
GUIÓN Andrzej Wajda, Andrzej Mularczyk
MÚSICA Krzysztof Penderecki
FOTOGRAFÍA Pawel Edelman
REPARTO Andrzej Chyra, Magdalena Cielecka, Artur Zmijewski, Danuta Stenka, Maja Komorowska, Wladyslaw Kowalski, Pawel Malaszynski, Stanislawa Celinska, Marek Kondrat, Krzysztof Kolberger, Krzysztof Globisz PRODUCTORA Akson Studio
WEB OFICIAL http://karmafilms.es/katyn/
PREMIOS 2007: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa
GÉNERO Drama | II Guerra Mundial. Basado en hechos reales

Tin - Tan

"los deturpadores de Tin Tan yerran el tiro. El buen señor es un efecto, no una causa, de una corrupción más grave que la simplemente lingüística. Nos molesta porque mientras Cantinflas es la subconsciencia de México, Tin Tan es su incómoda conciencia".
Salvador Novo, Novedades, 20 de junio, 1944

Indisciplinado, parrandero, desorganizado, mujeriego, impuntual, pero inteligentísimo, alegre, simpático, bondadoso, generoso y muy trabajador y profesional. Así era Germán Valdés, Tin Tan.

Gilberto Martínez Solares comentó en una entrevista que cierta vez Germán no llegó al estudio donde filmaba una película. "Por un amigo supimos que se le había ocurrido irse a Londres con la Chula Prieto, una bella estrellita, a ver la clausura de la Olimpiada de 1948 en la que Humberto Mariles y el equipo ecuestre de México ganaron medallas de oro. Cuando regresó, me encontró a la puerta de los estudios y me dijo:--Don Gil, no sabe qué pena tengo, pero fíjese que cuando salía de la casa, al despedirme de Rosita (Rosalía Julián, una de las hermanas Julián, cantantes, con la que estaba casado. Su hermano Ramón se casó con la otra hermana) me dio un beso tan apasionado que me regresé y me quedé con ella dos días en la cama..."

Ese era Tin – Tan, cuyo nombre real era Germán Genaro Cipriano Gómez Valdés Castillo (ufff!!!!), nació el 19 de septiembre de 1915 en la Ciudad de México, muere el 29 de junio de 1972, en la misma Ciudad de México.

Lo caracterizaba su gracia y su versatilidad, pues era además buen cantante. Hizo célebre en su tiempo al personaje del pachuco



Él era “El Pachuco”, hace algunos años se realizo un film, Zoot Suit, esta refleja la vida de los chicanos, la discriminación en la que alguna vez fue su patria y de la que se les despojo, entre 1942 y 1943 hubo varios disturbios en los Ángeles, así el vestir implica el Zoot Suit un estilo de vestir y una manifestación de independencia y solidaridad..

Tin Tan adopta la vestimenta y la convierte en su insignia, el vivió en la frontera, en Ciudad Juárez, la imagen del pachuco en esa época estaba muy marginalizada por la sociedad, que no podía negar su existencia e importancia en un México cada vez más influido por la cultura de los Estados Unidos. En 1945, Tin Tan fue duramente criticado por José Vasconcelos y defendido públicamente por Salvador Novo y José Revueltas, llega finalmente al cine con la cinta "El hijo desobediente".

Tin Tan comento en una entrevista:

"Cuando me inicié como cómico no me llamaba Tin Tan, sino Topillo Tapas. En el mismo año de 1943 anduve de gira por el interior de la república con el empresario Jorge Mualme. Todo iba muy bien, excepto dos cosas: mi nombre de Topillo Tapas, que no pegaba, y un argentino llamado

Alfredo Landón, que actuaba con unos enanos acróbatas, y que a cada momento me decía:--¡Che, pero quién ha dicho que vos sos cómico! ¡Vos sos un payaso!--¡Suéltame, Marcelo, --decía exaltado--.¡Suéltame! ¡A éste le rompo la nariz!

--¡Cálmate, hombre!, me contenía Marcelo.

Y después de unos días solucionamos los dos problemas. Jorge Mualme me dijo: No te preocupes por el nombre. Voy a pensar uno que suene bien. En Aguascalientes te voy a dar la sorpresa. ¡Y vaya si fue sorpresa! Cuando vi en un cartel el nuevo nombre casi me fui de espaldas. No me gustó nada. Lo peor fue cuando todos mis compañeros me miraron muertos de risa. ¡Tin Tan! ¡Hasta las campanas me parecían odiosas cuando me lo recordaban!

--No te preocupes, me dijo Jorge Mualme--, el nombre es bueno. Mira, en Sudamérica hubo hace poco un cómico con ese nombre y se hizo famoso. Sólo que en Ecuador hablaba mal de Perú, y en Perú echaba pestes contra Ecuador. Hasta que un día descubrieron su juego y casi lo matan. Me convenció. Desde entonces soy Tin Tan, y no me arrepiento. En cuanto al argentino, un par de bromas bastaron para calmarlo.

El acostumbraba dejar cerca del foro. Las pantuflas con que aparecía en escena. Salía de su camerino y de paso se las ponía. Así que lo único que hicimos fue clavarlas en el piso y gritar: --¡Che, corre, sales a escena! Sali&oaacute; disparado, sus pies entraron limpiamente en las pantuflas y ¡Cataplum! Lo rescatamos de un agujero que hizo en la escenografía. Y eso no fue todo. En Torreón, Marcelo insertó un anuncio en El Siglo. Le costó dos pesos 40 centavos, y decía: "Compro toda clase de animales domésticos a buen precio. Ver a Alfredo Landón, domicilio..."

Un saludo.

Alejandro
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El vizconde de Montecristo



Bonita

La balada de Narayama

¿Qué vamos a hacer con nuestros ancianos en esta sociedad envejecida que no les deja sitio?

A Josefina, mi madre, quien estaba presente el día en que yo nací, al menos eso dice ella.

Esa es una gran pregunta, una sociedad donde los niños y los ancianos no caben, ambos son inútiles, en una sociedad hedonista que admira la juventud y desea beber de la fuente de Francisco de Orellana, una sociedad que no quiere crecer, que tiene miedo a mirarse vieja.

Así, el desprecio a la vida adquiere preeminencia.

¿Es eso lo que olvidamos? ¿No nos damos cuenta de que condenando a nuestros ancianos a ser abandonados y privados de todo en una montaña inaccesible, nosotros mismos nos condenamos a ella tarde o temprano? ¿Por qué vivimos con esa insistencia en olvidar que un día vamos a morir, y que antes de que eso ocurra, si llegamos a edades avanzadas, no hay razón alguna por que se nos prive de nuestra dignidad como seres humanos?

Alejandro.
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La Balada de Narayama es un film que cuestiona esto, no desde la miseria espiritual de la sociedad occidental, sino desde el principio de la solidaridad, de la sobrevivencia y de la preservación de la familia.

Orín, la abuela y más anciana de la casa del árbol, es decir, de la casa de la familia que lidera Tatsue (primogénito de ella), va a cumplir los setenta y está en perfecto estado. Pero para despejar camino, pues se trata de una sociedad donde sobrevive por subsistencia muy apurada, y ayudar de algún modo a su familia decide ir arrancándose ella misma los dientes; ya que según la creencia, los viejos que ya no tienen dientes han de ser dejados en la cima del monte Narayama, pues así lo desea el Dios de la montaña. A Tatsue no le queda otra que, al final, trasladar a su madre al monte, donde esta perecerá. El dilema que se le plantea a Orín es que si no se va, Kesaian -o Tatsue- no podrán tener otro hijo, otra mano fuerte de ayuda en el campo, y la posible complicación de la sucesión hereditaria.

Al cumplir los setenta años, su hijo Tatsuhei la carga para llevarla a Narayama. El tránsito es todavía más penoso que la propia vida en el pueblo. El gran logro es observar cómo Orin asume su destino, con qué grandeza, con qué humildad, como algo natural, como si ese traslado constituyese de hecho el momento de la expiración, y de hecho así es, o al menos un anticipo del mismo, y la mujer que yo vi en la residencia de ancianos, cargada en su silla como un bulto inanimado, poseía esa misma serenidad, esa sabiduría repleta de certezas.

Al ver la película, en el trayecto de Orin hacia el lugar de su abandono y muerte, nos damos cuenta también de que para ese pueblo el cumplimiento de este rito bárbaro e inútil constituye uno de sus principales rasgos de comunidad, el abandono de los mayores para destinar los alimentos y el espacio que éstos ocuparían a los más jóvenes y a los niños que son el futuro, y que algún día serán llevados también a la montaña.

Ficha técnica: Japón, 1983. Director: Shoei Imamura. Productores: Jiro Tomoda, Goro Kusakawe. Guión: Shohei Imamura, basado en las historias de Shichirô Fukazawa. Música: Shinichirô Ikebe. Fotografía: Masao Tochizawa. Montaje: Hakime Okayasu. Duración: 130 min. Intérpretes: Ken Ogata (Tatsuhei), Sumiko Sakamoto (Orin), Takejo Aki (Tamayan), Tonpei Hidari (hermano de Tatsuhei), Seiji Kurasaki (Kesakichi), Kaoru Shimamori (Tomekichi).

Existe una versión anterior de esta misma historia y con el mismo título, Narayama bushiko (1958) de Keisuke Kinoshita, de la que parece que la que nos ocupa es básicamente un remake. Desconozco esta versión, parece ser que rodada a imitación del teatro Tabuchi.

A los amigos que han caminado conmigo toda mi vida Arturo y Felipe

Hay espíritus que no envejecen a pesar del tiempo, a pesar de todos los caminos andados, por eso la memoria es relevante, porque ella guarda ese espíritu, a veces, cuando camino por lugares que recorrí hace años los veo cómo eran hace muchos años y de pronto recuerdo voces, caras, colores, olores sabores, deseos, anhelos, me veo a mi mismo, como si fuera una escena en off.

Hace poco, encontré este video de una película que vi cuando tenia como trece o catorce años, la vi varias veces, realmente me enamore de la joven, Aniceé Alvina, esto lo compartí con dos amigos que nos vemos y seguimos caminando en ciertas partes del camino juntos, más de cuarenta años, es mucho tiempo, demasiado y sin embargo ahí estamos Arturo, Felipe y yo en el cine Latino, hoy ese cine no existe, fue derribado para construir un edificio monstruoso, no por su arquitectura, que como una gran cantidad de estructuras modernas es fría, utilitaria, aséptica, inhumana, estructuras inmensas que más parecen la Metrópolis de Fritz Lang, sus habitantes esos seres agobiados, sin rostro, como en The Wall de Pink Floyd.

Por eso la memoria existe, no solo para recordar, sino para dar testimonio de que he vivido y compartido el camino.

Película friends 1971/ amigos
Música de Elton John
Aniceé Alvina y Sean Bury
Director Lewis Gilbert

Discurso final de "El gran Dictador" - Charlie Chaplin (Charlot)

"A fin de cuentas, todo es un chiste."
"Algo hay tan inevitable como la muerte y es la vida."
"La vida no es significado; la vida es deseo."
"Trabajar es vivir y a mi me encanta vivir."

Este discurso es la expresión desde lo humano para el poder, sobre todo este se ejerce oculto, vedado, imponiendo sus deseos sin cortapisas, ese poder que hace el estado, el gobierno, los grandes dueños, ajenos al pueblo, distantes del alma del hombre.

El film, es una crítica, un cuestionamiento tanto para los que ejercen el poder como atributo propio como para aquellos que lo permiten, que no hacen nada para evitarlo, escrito con la hilaridad y el sarcasmo de Charlot, film con diálogos sonoros, es algo que debe verse y gozarse, reírse y pensarse.

«Lo lamento, pero yo no quiero ser un emperador, ése no es mi negocio, no quiero gobernar o conquistar a alguien. Me gustaría ayudar a todos si fuera posible: a los judíos y a los gentiles, a los negros y a los blancos. Todos deberíamos querer ayudarnos, así son los seres humanos. Queremos vivir con la felicidad del otro, no con su angustia. No queremos odiarnos y despreciarnos. En este mundo hay sitio para todos, y la tierra es rica y puede proveer a todos. El camino de la vida podría ser libre y hermoso...» The Great Dictator

El gran dictador
Dirección Charles Chaplin Producción Charles Chaplin
Guión Charles Chaplin
Sonido Percy Townsend y Glen Romynger
Fotografía Karl Struss, Roland Totheroh Montaje Willard Nico
Efectos especiales Jack Cosgrove
Reparto Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Billy Gilbert
País Estados Unidos
Año 1940
Género Comedia
Duración 124 minutos P
roductora United Artists

Peloton

Platoon, describe la lucha al interior de las fuerzas de combate del ejército americano. Es interesante mencionar el hecho de que Oliver Stone, es probablemente el único cineasta que experimentó la guerra de Vietnam como soldado de combate.

En la práctica cotidiana de la guerra de Vietnam, y en contra de lo que regularmente se piensa, los militares norteamericanos disintieron entre sí ferozmente sobre los principios estratégicos y morales que deberían dirigir la guerra; la película de Oliver Stone nos transmite la crudeza con la que se vivieron estas diferencias en los frentes de combate. Básicamente, Platoon narra la historia de los enfrentamientos entre dos pelotones de infantería y sus respectivos comandantes. Las diferencias de opinión sobre las causas de la guerra, sobre las razones para pelearla, y sobre las formas legítimas de pelearla, terminan por convertir a estos dos pelotones del mismo ejército en verdaderos enemigos de guerra entre sí.

Una de las escenas más convincentes de esta película, es aquella en la que Stone construye un exitoso paralelo cinematográfico con la conocida matanza de My Lai En la película se nos describe la entrada de un conjunto de pelotones americanos a una aldea vietnamita en la que, después de interrogar a algunos de los aldeanos, uno de os pelotones inicia una arbitraria masacre de civiles, mujeres y niños que es detenida brusca y violentamente por el comandante de otro de los pelotones que ocupan la aldea.

Durante la matanza en My Lai el asesinato de civiles no se detuvo hasta que los muertos excedieron los cuatrocientos. Sin embargo, se ha insistido muy poco sobre la resistencia que ofrecieron algunos de los soldados americanos a la masacre que presenciaban: varios se negaron a disparar, algunos huyeron de la aldea durante la masacre, uno de estos soldados se disparé a sí mismo en la pierna para evitar ser obligado a hacerlo en contra de civiles, finalmente uno de los oficiales llegó al extremo de interponerse entre los aldeanos vietnamitas y el pelotón de fusilamiento.

La realidad moral de una guerra puede ser analizada desde dos puntos de vista diferentes: primero, con respecto a las razones que tiene un país para luchar contra o intervenir en otro, y, segundo, con respecto a las formas concretas en que decide pelear la guerra. En el primer caso se dice de una guerra que es justa o injusta, en el segundo, se dice que la guerra se pelea de manera justa o injusta.

Tiene el mérito de presentar la compleja heterogeneidad de individuos, opiniones y valores morales que constituyen al ejército americano en la realidad. De la misma forma, explora con realismo las distintas formas en que la guerra de Vietnam trató de justificarse ante los ojos de los soldados que la pelearon, así como las formas en que ellos mismos justificaron o desaprobaron las acciones bélicas del ejército del cual formaban parte.

“Edward Tick, veterano de guerra de Vietnam dice sobre esto: En preparatoria, a mediados de los sesenta, comencé a pensar en enlistarme, no porque yo creyera en la guerra, sino porque muchos de mis vecinos y compañeros de clase estaban peleándola... y porque parte de nuestra tradición insiste en que, si hay una guerra, se espera que los hombres jóvenes la luchen... De hecho, ahora estoy todavía más convencido de que la guerra fue un error. Pienso que nos lastimó a todos en formas que han perdurado hasta nuestra vida adulta. Los guerreros, hombres honorables que pelearon en Vietnam, sufren, al contrario que los veteranos de otras guerras, porque la justicia de lo que nuestra nación hizo en esa guerra será siempre puesta en duda”

Platoon
Dirección Oliver Stone
Producción Arnold Kopelson
Guión Oliver Stone
Música Georges Delerue (Adaggio de Samuel Barber)
Sonido John K. Wilkinson, Richard Rogers, Charles 'Bud' Grenzbach, Simon Kaye
Fotografía Robert Richardson
Montaje Claire Simpson
Reparto Charlie Sheen, Tom Berenger, Willem Dafoe, Forest Whitaker, Johnny Depp
País Estados Unidos
Año 1986
Género Drama
Duración 120 minutos
Compañías Productora Metro Goldwyn Mayer

Apocalypsis Now - Francis Ford Coppola

Hay mucho que decir del horror, pero encontré esto y Jaime Aviles lo expresa con claridad.
Este es el fin, bello amigo
Este es el fin, mi único amigo, el fin
De nuestros elaborados planes, el fin
De todo lo que se tenga en pie, el fin
Sin seguridad o sorpresa, el fin
Yo nunca mirare dentro de tus ojos
Otra vez(…)
The end, The Doors


Hay en la película de Coppola una sucesiva degradación del espíritu humano durante el ascenso del río. Se llega a su desembocadura cabalgando junto a las Walkirias, que conducen a los guerreros muertos en combate, a lomos de sofisticadas armas de guerra con gran poder destructivo. Mientras ascienden por el río la tecnología armamentística cede su lugar a la intuición exaltada por las drogas de los que combaten en la presa, y paulatinamente las armas se vuelven más rudimentarias hasta culminar con la muerte del piloto atravesado por una lanza. Subir por el río no significa solamente acercarse más a Kurtz y a lo que representa, supone ahondarse en las tinieblas del origen de la humanidad, supone la degradación de la civilización hasta límites tribales. La selva, que convierte el río en un mar sin orillas, y la naturaleza salvaje que acecha en sus profundidades (recuérdese el episodio del tigre) aceleran este hundirse en la historia de la humanidad. Se puede sentir que el ascenso por el río es en realidad un descenso a los abismos de la historia. Al final del río aparece la organización tribal en su forma más primitiva, una tribu donde reina Kurtz como un dios ancestral bajo su pavoroso lema: “El Apocalipsis ahora”

La biblioteca de Kurtz, sobre la que la cámara se deleita está compuesta por cuatro libros: Una obra de Goethe sin identificar, La Biblia, From Ritual to Romance de Jessie L. Weston y la edición reducida de La rama dorada de Frazer.

Recuerdo pocas ocasiones en el cine en que se cite directamente una obra literaria, si lo hace es porque es fundamental para la historia, o porque tiene cierta relación con ella. La obra de Frazer es fundamental para entender la escena de la muerte de Kurtz a manos de Willard simultaneada con el sacrificio de un toro a machetazos, lo que nos lleva a pensar que nos hallamos ante un ritual sucesorio en el que el viejo rey muere a manos de su heredero. Willard emerge del río y mata a Kurtz mientras se ejecuta al buey simbólico. El nuevo rey Willard se muestra ante la tribu y arroja el arma, lo cual puede ser interpretado como renuncia a la guerra o que se asume completamente el lema “el Apocalipsis ahora”.

Pero aparece el problema de las versiones: La versión estrenada en 1979 acaba con el bombardeo del refugio de Kurtz, un adelanto del deseo de éste: ¡Lanzad la bomba; exterminarlos a todos!. La versión Redux, estrenada en el festival de cannes en 2001, omite ese final: ¿Tanto han cambiado las cosas? ¿Implica acaso que ahora hay esperanza para la humanidad, una posibilidad de redención? Javier Avíales Viaplana

Algunas frases de Apocalipsis Now.
Coronel Walter E. Kurtz (Marlon Brando)
• "Es imposible para las palabras describir lo que es necesario para aquellos que no saben lo que el horror significa. El horror. El horror tiene una cara... y uno debe hacerse amigo del horror. El horror y el terror moral son tus amigos. Si no lo son, son enemigos a los que hay que temer. Son enemigos de verdad".
• "He visto horrores... horrores que tú has visto. Pero tú no tienes derecho a llamarme asesino. Tienes derecho a matarme. Tienes derecho a hacer eso... pero no tienes derecho a juzgarme".
• "¿Alguna vez has pensado acerca de la verdadera libertad? La libertad de opinión de otras personas... ¿hasta la libertad de que uno pueda opinar?".
• "He visto un caracol, se deslizaba por el filo de una navaja, ese es mi sueño, más bien mi pesadilla, arrastrarme, deslizarme por todo el filo de una navaja de afeitar, y sobrevivir".
• "Debemos matarlos, debemos incinerarlos, cerdo tras cerdo, vaca tras vaca, aldea tras aldea, ejército tras ejército, y me llaman asesino, ¿cómo hay que llamarlo, cuando los asesinos acusan a los asesinos? Mienten, mienten y tenemos que ser misericordiosos con los que mienten. A esos peces gordos, les odio, ¡cómo les odio!".
• "Entrenamos a jóvenes para disparar sobre la gente, pero sus comandantes no dejan que los muchachos escriban 'joder' en sus aviones... ¡porque es una obscenidad!".
Capitán Benjamin L. Willard
• "Yo quería una misión... y por mis pecados me dieron una".
• "Rompió con todos los demás, rompió consigo mismo, nunca había visto a nadie tan roto..."
• "Si así es como Killgore hacía la guerra, me pregunto qué es lo que en realidad tenían en contra de Kurtz. No era solo por demente y asesino, había bastante de eso en todas partes".
• "Era una manera que teníamos aquí en Vietnam de soportarnos a nosotros mismos. Masacrábamos a los vietnamitas con nuestras ametralladoras y les poníamos una tirita. Y cuanto más veía aquello, más odiaba las mentiras".
Ficha técnica
Apocalypse Now
Apocalipsis ahora
Dirección Francis Ford Coppola
Producción Francis Ford Coppola, Kim Aubrey, y otros
Guión John Milius, Francis Ford Coppola
Música Carmine Coppola, Francis Ford Coppola, Mickey Hart, The Doors, Richard Wagner
Fotografía Vittorio Storaro
Reparto Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest, Dennis Hopper, Harrison Ford, Scott Glenn
País Estados Unidos
Año 1979
Género Drama bélico
Duración 153 minutos

Blade Runner

Es mucho más que las casi dos horas de película. Es una experiencia, una fuente de inspiración y meditación. Es una película que por muchas veces que la veas, siempre descubres algo nuevo.
Es, en definitiva, una de las grandes películas del cine en general y de la ciencia ficción en general, aunque también ha sido catalogada en otros géneros, como el cine negro (con el que ciertamente guarda bastantes similitudes).

El mundo de Blade Runner representa un futuro cuya distancia ficticia de la actual realidad se ha reducido, la acción tiene lugar en el año 2019. La obra penetra en las implicaciones futuras de la tecnología en el ambiente y la sociedad, acercándose al pasado con el uso de la literatura, el simbolismo religioso, los temas dramáticos clásicos y el cine negro. Esta tensión entre pasado, presente y futuro es evidente en el futuro adaptado de Blade Runner, donde la alta tecnología resplandece en lugares, mientras que el resto es decadente y viejo.

En el film se puede percibir un alto nivel de paranoia en: la manifestación visual del poder de las transnacionales, la policía omnipresente, las luces de las sondas; y en el poder sobre el individuo, representando particularmente por la programación genética de los replicantes. El control sobre el ambiente es observado a gran escala, pero también cuando los animales son creados como meros artículos. Este contexto opresivo clarifica por qué muchas personas se van a las colonias exteriores, un paralelismo con la migración al continente americano. Las predicciones populares de los años '80, donde Estados Unidos es sobrepasado económicamente por Japón, se reflejan en el dominio de la cultura y publicidad japonesa en la ciudad de Los Ángeles de 2019. También la película hace un uso intensivo de los ojos y las imágenes manipuladas, como llamadas de atención sobre la realidad y la capacidad de percibirla.

Todo esto proporciona una atmósfera de incertidumbre para el tema central de Blade Runner: examinar lo humano. Para descubrir a los replicantes, se utiliza una prueba de empatía (Test Voight-Kampff), con preguntas centradas en el tratamiento a los animales; esto funciona como indicador esencial de la "humanidad" de alguien. Los replicantes son retratados como personajes apáticos, y mientras que los humanos muestran pasiones y preocupaciones por otros, la masa de la humanidad en las calles es fría e impersonal. La película va tan lejos como para poner en duda la naturaleza de Deckard y obligar a la audiencia a reevaluar qué significa ser humano.


AÑO 1982
DURACIÓN 112 min.
DIRECTOR Ridley Scott
GUIÓN
David Webb Peoples & Hampton Fancher (Novela: Philip K. Dick)
MÚSICA Vangelis
FOTOGRAFÍA Jordan Cronenweth
REPARTO Harrison Ford, Sean Young, Daryl Hannah, Rutger Hauer, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Brion James, Joe Turkel
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures
PREMIOS 1982: 2 nominaciones al Oscar: Mejor dirección artística, efectos visuales
GÉNERO
Ciencia-Ficción. Acción | Película de culto. Robots. Cyberpunk
SINOPSIS
A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation desarrolló un nuevo tipo de robot llamado Nexus, un ser virtualmente idéntico al hombre y conocido como Replicante. Los Replicantes Nexus-6 eran superiores en fuerza y agilidad, y al menos iguales en inteligencia, a los ingenieros de genética que los crearon. En el espacio exterior, los Replicantes fueron usados como trabajadores esclavos en la arriesgada exploración y colonización de otros planetas. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de combate de Nexus-6 en una colonia sideral, los Replicantes fueron declarados proscritos en la Tierra bajo pena de muerte. Brigadas de policías especiales, con el nombre de Unidades de Blade Runners, tenían órdenes de tirar a matar al ver a cualquier Replicante invasor. A esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba retiro. (FILMAFFINITY)

Cuatro de Cantinflas

Cantinflas pasa de ser el “peladito” al banal moralino en sus últimas películas, pero en las primeras hace un uso del lenguaje de una manera magistral, burlándose con ironía y cinismo de todo lo que le es ajeno, que no está en su mundo, haciendo del juego de palabras “albur” la espada y el escudo, lo que le permite con inteligencia y humor sobrevivir en un México de inequidad, acaso a todos nos falta algo de eso, porque la inequidad y la soberbia son ahora sinónimos del poder.
Les dejo con lo que a mi juicio son cuatro de las mejores escenas de Cantinflas, que las disfruten, se rían y la alegría les haga el día.
Alejandro
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Cantinflas, en una noche de borrachera, se convierte en soldado del ejército por error. Al poco tiempo, durante una misión de combate, resulta herido y ya estando al borde de la muerte se encuentra con un demonio que intenta convertirlo en un ser malvado. Director: Miguel M. Delgado Argumento: Jaime Salvador Fecha de lanzamiento: 30 de noviembre de 1945 Reparto: Mario Moreno Cantinflas (como Juan Pérez), Andrés Soler (como El Diablo / el Policía), Miguel Arenas, Susana Cora, Lauro Benítez, Roberto Corell, Manuel Dondé, Pedro Elviro, Juan García, Rafael Icardo, Pepe Nava, José Eduardo Pérez, Óscar Pulido, Salvador Quiroz, Humberto Rodríguez, Ángel T. Sala, Estanislao Schillinsky, Hernán Vera (como Nerón), Roberto Cañedo.

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Cantinflas es un portero que siempre está dispuesto a solucionar los problemas de los demás. Pero cuando se trata de arreglar los suyos se siente incapaz, pues varias ocasiones en que ha tenido oportunidad para comunicarle su amor una joven inválida, no ha podido. Título original: El Portero Género: Comedia Año: 1950 Duración: 94 min. Pais: Mexico

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El signo de la muerte
Ficha técnica
Dirección Chano Urueta
Producción Pedro Maus, Felipe Mier y Salvador Novo.
Guión José Benavides (hijo), Francisco Elías, Pepe Martínez de la Vega y Salvador Novo.
Música Silvestre Revueltas
Reparto Mario Moreno "Cantinflas" (Cantinflas), Manuel Medel (Medel), Elena D'Orgaz (Lola Ponce), Carlos Orellana (Dr. Gallardo), Tomás Perrín(Carlos Manzano, Matilde Corell (Tia Mati), Max Langler(Matlatzin), Elia D'Erzell(Alicia).
País México
Año 1939
Género Suspenso, Misterio y Comedia
Duración Aprox. 100 minutos
El periodista Carlos, del diario Excelsior, y Lola, reportera de la Nación, tratan en vano de entrevistar al sabio doctor Gallardo, director de un museo precortesiano, que habla en una conferencia del perdido códice Xitle. El códice trata de un sacrificio ceremonial de cuatro jóvenes a las que se arranca el corazón con un puñal de obsidiana

El tren de la vida

Este es un film estupendo, es como un sueño, como una esperanza, como una ironia, dura, dlorosa, caustica y paradojicamente tratada con una gracia como suele a vces ser la vida. Esta pelicula abre las posibilidades a mirar la vida de una manera diferente.

Aqui como en muchos lados el loco es un hombre sabio y sencible, les recomiendo el monologo sobre Dios y el hombre.
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Un amigo me habló de un libro que comparaba la vida con un viaje en tren. Un viaje muy interesante al ser bien interpretado. Exactamente así, la vida no pasa de ser eso, un viaje en tren lleno de embarques y desembarques, algunos accidentes, sorpresas agradables en algunos momentos y en otras grandes tristezas.

Al nacer entramos a ese tren y nos entregamos en las manos de algunas personas que pensamos, estarán siempre en ese viaje con nosotros: nuestros padres, desgraciadamente eso no es verdad; en alguna estación ellos bajan y nos privan de su cariño, amistad y compañía irremplazables... además que personas interesantes y que pueden llegar a ser muy especiales para nosotros, abordaran el tren en algún momento. También llegaran nuestros hermanos, amigos y maravillosos amores.

Muchas personas toman ese tren, solo para pasear, otras encuentran en el viaje solamente tristezas, y otros circularan por él, listos para ayudar a quien los necesite. Muchos al bajar dejan recuerdos eternos, algunos otros pasan por allí de tal manera que cuando desocupan sus asientos, nadie percibe sus ausencias.

Es muy común que muchos pasajeros, que nos son muy queridos se ubiquen en vagones diferentes al nuestro, por lo tanto nos vemos obligados a hacer el trayecto separados de ellos, eso no nos impide que durante el viaje atravesemos muchas veces con grandes dificultades nuestro vagón para llegar hasta el que es ocupado por nuestros seres especiales, solo que difícilmente nos podremos sentar a su lado, muchas veces puede haber alguien ocupando ese lugar. Nada importa, el viaje es así, lleno de atropellos, sueños, fantasías, esperas, despedidas.

Eso sí, jamás tiene retorno, siempre va hacia delante.

Hagamos el viaje de la mejor manera posible, tratando de relacionarnos bien con todos los pasajeros, sin hipocresías, buscando en cada uno de ellos lo mejor que tengan para ofrecer. Recordando, siempre, que en cualquier momento del camino ellos podrán flaquear, es necesario entender esto pues, probablemente, nosotros a lo largo del camino, flaquearemos muchas veces, y seguramente habrá alguien que nos entienda como nosotros hemos entendido a nuestro prójimo.

El gran misterio, al final, es que jamás sabremos en cual parada nos bajaremos, y mucho menos nuestros compañeros y ni siquiera el que esta sentado más próximo a nosotros, justo en el asiento de al lado.

Me quedo pensando si al bajarme de ese tren sentiré nostalgia... creo que si la sentiré, al separarme de los amigos hechos durante el trayecto, será al menos doloroso.

El dejar a mis hijos continuar solos el viaje, será extremadamente triste, pero me agarraré a la esperanza de llegar, en algún momento a la estación principal, y tendré la gran emoción de verlos llegar con un equipaje que no tenían en el momento de embarcar, y lo que más feliz me dejará será pensar, que yo colabore en el crecimiento de ese equipaje y en hacerlo más valioso. Anónimo.

"Las mil y una noches" Passolini

Esta película la vi allá por 1976 mientras estudiaba antropología en la ENAH, forma parte de la “Trilogía de la Vida” de Pierre Paolo Passolini, es hermosa, de una plasticidad y estética únicas, sin excederse en los diálogos, son sobre todo las imágenes como poemas que fluyen y en este entorno, el sexo es el argumento que enhebra la trama, es un acto de gozo, de alegría, de compartir y de generosidad, del buscar el amor y de caminar para llegar a los sueños. La película está inspirada en algunos cuentos eróticos del Medio Oriente, a través del famosísimo compendio de Las mil y una noches. Su principal historia trata de un inocente joven que busca a su amada, una esclava de la cual fue separado al ser víctima de un engaño.